Maria's Christmas Box

Que haya contado prácticamente todo lo que se puede contar acerca de Maria Whittaker en mi retro-análisis del Barbarian: The Ultimate Warrior no quita para que escriba una segunda entrada sobre otro videojuego que contó con su imagen, el tercero en tener ese honor si contamos Barbarian II.

No es que necesite excusas para hablar de Maria Whittaker, pero, en primer lugar, no es fácil encontrar buenos temas sobre los que escribir en Navidad, y menos si se trata de videojuegos (creo que lo del Batman Returns no acabó de colar); y en segundo lugar, Maria está taaaaaan buena que he tenido que ponerle seis aes a ese "tan" para trasmitiros lo mucho que me pone.

Y hablaré de ella en presente, a pesar de que ahora debe de tener cuarenta y pico tacos, porque de las modelos eróticas solo se puede hablar refiriéndose a su etapa de mayor esplendor. De muy mayor esplendor en el caso de Maria. Pero mayor, mayor. 36DD en tallaje británico.

Maria's Christmas Box fue desarrollado por Anco para la Amiga en 1988, que se ocupó también de los puertos para Atari ST, Commodore 64 y ZX Spectrum. Aplicando la ley del mínimo esfuerzo, Anco reutilizó la programación del Strip Poker II, que había lanzado ese mismo año, sustituyendo a las dos modelos de este juego por Maria Whittaker y dándole una temática navideña.

Al igual que el Strip Poker II, Maria's Christmas Box es un juego de póquer con sus pertinentes desnudos. Claro que no hacía falta que os dijera eso, porque es tan evidente como el hecho de que esta entrada está pensada para las lectoras del blog.

Masters del Universo: El portador de alegría

¿Creías que os ibais a librar de los Masters del Universo estas Navidades? ¡Jo, jo, jo!

Pues no, no os vais a librar. Es algo que forma parte de la cruz de seguir este blog, como las constantes erratas, los chistes malos y la baja fibra moral que se desprende de todo lo que escribo.

Lo importante es que el hecho de que recapitulase el especial navideño de He-Man y She-Ra hace años no significa que no haya nada más que comentar sobre los Masters del Universo en estas fechas tan singulares, solo que cuesta mucho más encontrarlo. En este caso, he tenido que recurrir  a los viejos tebeos de la revista británica Masters of the Universe, que en España publicó Ediciones Zinco.

¿Cómo son de viejos esos tebeos? "1986" de viejos, es decir, de cuando España y Portugal entraron en la Comunidad Europea y Kelly LeBrock estaba requetebuena.

La historia de hoy se titula El portador de alegría, y aunque solo tiene cinco páginas, ¡hay que ver qué páginas! Planes maquiavélicos que no hay por dónde coger, combates perdidos de antemano, buenas acciones que parecen otra cosa y, por supuesto, grandes dosis de espíritu navideño. No tiene desperdicio.

La Navidad de Pippi Calzaslargas

Sé que hay un porrón de especiales navideños que podría comentar antes que el de Pippi Calzaslargas, pero, sinceramente, hasta que di con este episodio, tenía la sensación de que no quedaba ninguno que mereciese la pena. De hecho, he tenido esa misma sensación todas las Navidades desde que escribí sobre el especial navideño de He-Man y She-Ra en ion litio. Es difícil superar a Skeletor dejándose lamer la cara por un cachorrito robot y empapándose del espíritu navideño.

Sin embargo, dado que este año también me he propuesto rellenar al menos tres semanas con entradas de temática navideña, mi búsqueda de especiales navideños nunca acaba. Y si os pensáis que esta es una tarea sencilla, estáis muy equivocados. ¿Habéis visto, por ejemplo, el episodio X-Mas Marks The Spot de la serie Los auténticos Cazafantasmas? Aunque os pueda sorprender, es anodino a más no poder. Ni chicha ni limoná. Y eso que lo escribió J. Michael Straczynski.

El caso es que después de descartar montones de episodios de series de todas las épocas, me he quedado con uno de Pippi Calzaslargas. Si tenéis media hora libre, podéis verlo en la página web de Antena 3. O leeros este artículo, perder la mitad de tiempo y darme las gracias.

Los Teleñecos en Cuentos de Navidad (1992)

Adoro a los Teleñecos. ¿Cuánto? Lo suficiente como para haber escrito este artículo dos veces después de que se me borrase y para que no me dé vergüenza tener una marioneta de la Rana Gustavo en casa colgada cabizbaja del respaldo de una silla. Ojalá supiese dónde venden sombreros y gabardinas en miniatura para regalárselos por Navidad.

Es cierto que El show de los Teleñecos nunca fue muy popular en España, y desde luego nadie quiere acordarse de aquel horrible rastafari púrpura que hacía de presentador; pero antes de saber siquiera que existiera un show, muchos ya conocíamos de sobra al reportero más dicharachero de Barrio Sésamo y, gracias a la serie Los Pequeñecos, también a algunos de sus compañeros: Miss Piggy, Gonzo, Fozzie, Rufo, Animal... y aquellos gemelos nerds cuyo nombre soy incapaz de recordar. Además, seguro que no he sido el único en imitar el famoso mee-mee-mee-mee. Alguien debería crear una página de Facebook con eso.

Después vinieron las películas. Las primeras que vi fueron La Isla del Tesoro y Cuentos de Navidad. En VHS. Compradas, no alquiladas. Quizá porque el resto no son tan buenas o precisamente porque esas dos fueron las primeras, siempre han sido mis favoritas. Ahora, teniendo en cuenta las fechas en las que estamos, adivinad de cuál de las dos os voy a hablar.

Los Teleñecos en Cuentos de Navidad es una revisión del clásico Cuento de Navidad de Charles Dickens, autor británico que, aparte de dejarse crecer una barba capaz de albergar un nido de águilas calvas, fue uno de los principales artífices del renacer de las celebraciones navideñas en Inglaterra y Estados Unidos a mediados del siglo XIX, tras el declive sufrido al comienzo del periodo victoriano. Esto es cultura. Procuraré no abusar de ella en los próximos párrafos.

A menos que hayáis vivido debajo de una roca en lo más profundo de la Tierra toda vuestra vida, la historia ya deberíais conocerla. Ebenezer Scrooge es un viejo pecador avariento que nunca celebra la Navidad. En la víspera de esta fiesta, recibe la visita de tres espíritus que le muestran aspectos olvidados de su pasado, ignorados de su presente y temidos de su futuro, haciéndole reflexionar sobre su vida y transformándolo en un hombre alegre y solidario. La mitad de este párrafo lo he copiado de otra página y no me avergüenzo de ello.

El cuento se ha llevado al cine y a la televisión muchas veces, unas con más éxito que otras, inmortalizando la obra de Dickens para varias generaciones demasiado perezosas como para abrir un libro. Mis dos adaptaciones preferidas, y que no se alejan demasiado de la obra original (en otro caso, también incluiría Los fantasmas atacan al jefe) son Los Teleñecos en Cuentos de Navidad y Una Navidad con Mickey. No solo es por la nostalgia; son buenas adaptaciones, cada una a su manera.

¿Qué es lo que más me gusta de la adaptación del clásico navideño dirigida por el hijo de Jim Henson? Veámoslo.

Batman Returns (Super Nintendo)

Nada dice Navidad como Batman dando una somanta de palos a una banda de payasos liderada por un hombre pingüino. ¿No lo veis así? Vale, quizá esté forzando los límites de la temática navideña; pero, por esta vez, ¿qué os cuesta seguirme la corriente? ¡Es el puñetero Batman y aún estamos a mediados de diciembre!

Además, estáis pasando por alto un detalle muy importante: Batman Returns, la película en la que se basa este videojuego, se desarrolla en Navidad. Hay abetos con adornos navideños y se reparten ostias consagradas, dos grandes tradiciones cristianas. No se puede pedir más.

Y para rematar esta introducción, me permito deciros que tres quinquenios antes de que Rocksteady Studios nos sorprendiera a todos con Batman: Arkham Asylum, el Batman Returns ya lo petaba en Super Nintendo. Era un "yo contra el barrio" en el que ese "yo" era Batman, y no os hacéis a la idea de cuánto me gustaba Batman cuando era un crío. Entonces solo teníamos los tebeos de Ediciones Zinco, la teleserie de Adam West y las películas de Tim Burton; pero el héroe de Gotham me gustaba tanto como para disfrazarme de él en carnaval. Con mallas negras y zapatillas de ballet.

Ya lo he dicho todo.

Navidad 2012

¿Sabéis qué? ¡Este año también llega la Navidad! ¿Y a que no averiguáis en qué día cae? ¡Veinticinco otra vez! Lo sé. Yo tampoco podía creerme tanta casualidad, pero es cierto. Lo he leído en los periódicos. Esto significa que ya podéis exprimir vuestras tarjetas de crédito comprando regalos y ganar algunos kilos de más poniéndoos hasta las trancas de turrón.

Además, la falta de liquidez y un ligero sobrepeso deberían ser las menores de vuestras preocupaciones, ya que dentro de poco llegará el fin del mundo. Lo predijeron los mayas y es imposible que unos tipos que iban casi despelotados y adoraban a una serpiente emplumada se equivocasen. Lo repetiré por si leéis demasiado rápido: una serpiente emplumada. ¡Y nosotros celebrando el nacimiento de un carpintero! Si al menos hubiese sido carpintero ebanista...

Pero no me enrollo más. La semana que viene empieza el especial navideño de El Tipo de la Brocha. Habrá cine, televisión, videojuegos y, en Reyes, juguetes. Eso sí, de comentar catálogos me parece que voy a pasar, porque estoy harto de ver la entrada que escribí en 2011 acerca del catálogo de El Corte Inglés en el top 5 de la columna derecha. Intentad disfrutar de estas fechas antes del Apocalipsis.

El pastelito de la Pantera Rosa

Algunos lectores dicen que debería escribir más artículos sobre "gastronomía" y "arte culinario", que la sección se ve muy pobre con solo cinco entradas. Bueno, se ve muy pobre, porque lo es. Pero no soy crítico gastronómico y ahora mismo toda la comida que tengo en casa se reduce a dos lonchas de queso, una lata de lentejas, un bote de mostaza de hace dos años al que le he cogido cariño y un pegote verde que ha crecido al fondo del frigorífico y que probablemente ocupe un escalón superior al nuestro en la pirámide alimenticia, así que ¿de qué queréis que hable?

En serio, me encantaría escribir más a menudo sobre comida en el blog, porque es más fácil que hablar de otros temas que toco más a menudo; pero cuando compras en plan superviviente a las nueve de la noche, cinco minutos antes de que cierren el supermercado, no te paras a buscar la mascota de cereales más descacharrante ni a ver qué han inventado ahora los de Risi. Y como no me regalan el dinero, tampoco puedo hacer un tour por tiendas de importación americanas todos los meses.

En cualquier caso, os aseguro que cuando, por casualidad, veo un producto que tiene alguna salida como artículo, lo compro, lo pruebo, investigo y escribo. Incluso si cualquiera de vosotros me sugiere algo y me parece interesante, hago lo mismo, porque debo confiar en el criterio de cualquiera capaz de leerse las tonterías que escribo y seguir visitando el blog. ¿Y qué me proponéis? Que escriba sobre el pastelito de la Pantera Rosa.

Pues bien, os traigo una noticia de última hora: Viruete.com ya le dedicó una entrada hace ocho años. Y no es ni mucho menos el único que ha hablado del tema. Casi podría afirmarse que uno no es nadie en la blogosfera hasta que ha escrito sobre el pastelito de la Pantera Rosa. ¡Por el amor de Dios, lleva ahí desde los años setenta!, ¿qué se puede decir de él que no hayan dicho ya otros?

Nada, pero, ¿queréis Pantera Rosa? Pues aquí tenéis Pantera Rosa. Os vais a hartar.

Masters of the Universe #6 - Orko

¿Os acordáis de Orko, "simpático mago y pequeño diablo"? Al ver la portada de este número de Masters del Universo, el sexto de esta colección, mi primera sensación fue de emoción e ilusión azucarada.

Orko era el alivio cómico de una serie de la televisión en la que todos los personajes lo eran a su manera y, en su día, fue uno de mis personajes favoritos. El muñeco de Mattel de mediados de los ochenta también estaba entre mis juguetes preferidos; le podías dar cuerda para que zanganease por el suelo, tenía un sombrero de quita y pon, y venía con unas fichas de Parchís con adhesivos de los personajes que servían para hacer un truco de magia que recuerdo muy vagamente. Ya no soy capaz de explicar él porqué, pero todo eso me fascinaba. Quizá la planta de productos químicos que había en frente de casa tuviera algo que ver.

Sin embargo, el recelo no tardó en reemplazar a la ilusión. Alivio cómico es una expresión que causa pavor cuando te alcanza la adolescencia y empiezas a desarrollar el sentido del ridículo, y en la edad adulta, suele ser sinónimo de jodido desastre.

Experimenté esas dos sensaciones en el tiempo que tardé en introducir mis datos de facturación en la página de ComiXology y comprar el cómic. Al terminar de tramitar el pedido, llegué a la conclusión de que no merecía la pena dar más vueltas al asunto hasta haber leído el número y que haría mejor en invertir mi energía en prepararme un ponche de huevo mientras se cargaban las páginas. El ponche de huevo es muy navideño y ya sabéis qué época se acerca.

Regresé de la cocina con el cóctel, y me concentré en la lectura. La portada, un primer plano de Orko con dos caras, era bastante intrigante y me hice mis propias ideas sobre el argumento antes de ver siquiera la primera viñeta, aunque ninguna de esas elucubraciones resultó acertada. En mi defensa diré que algunas de esas ideas incluían robots dinosaurios, así que mis apuestas eran altas.

Redada asesina (The Raid) (2011)

Mi romance con el cine de artes marciales viene de largo. Aunque no comencé a coleccionar películas del género hasta que compré el VHS de El mono borracho en el ojo del tigre por cuatro duros y me enamoré de él, ya de pequeño me encantaba Hong Kong Phooey, el perro karateka. ¿Qué leches tienen que ver los dibujos de a duro de Hanna-Barbera con una cinta de artes marciales indonesia? Ni lo sé ni me importa. Solo escribo lo primero que se me pasa por la cabeza antes de que los duendes me roben mis ideas.

Un año después de su estreno, y sin haber pasado por las salas de cine en nuestro país, el pasado octubre por fin salió en DVD Serbuan maut, más conocida como The Raid. En esta ocasión, la traducción que ha realizado la distribuidora del indonesio original al castellano es bastante acertada, pero después de tanto tiempo llamándola por su título en inglés, me cuesta referirme a ella como Redada asesina. Pensadlo bien. El ataque de los tomates asesinos, Orca, la ballena asesina, Payasos asesinos... Ahora mismo no recuerdo ninguna película que llevase la palabra "asesino" en el título y no fuera, al menos, intencionadamente mala... salvo Asesinos, de Sylvester Stallone y Antonio Banderas, que no es mala, sino una aberración abominable que se cuenta entre los mayores abortos de la historia del cine desde que los hermanos Lumiere inventaron el cinematógrafo.

Si sois aficionados a las películas de artes marciales y estáis más o menos al tanto de los estrenos más destacados, es probable que vierais The Raid hace algún tiempo. En mi caso, desde que escuché a José Viruete poner esta cinta por las nubes en la difunta hora de Ving Rhames, han pasado varios meses; pero, como soy gilipollas, me he aguantado las ganas de verla en Internet con la esperanza de que alguna distribuidora española se aviniera a editarla en vídeo. Hubo un momento en que casi sucumbo a la tentación y la veo en streaming, pero Spider-Man 3 me distrajo lo suficiente como para dejar mis deseos de ver la película aparcados una buena temporada, al igual que mi pasión por la vida, mi dignidad y varios miles de neuronas.

Por otro lado, me negaba a ver esta cinta en indonesio con subtítulos en español de Guachupilandia. Los asiáticos hablan gracioso y me pone enfermo leer frases como "No tiene una chance".

Pero ahora que el DVD está disponible, me hallo en paz conmigo mismo y con el universo, y por fin puedo recomendaros que veáis Redada asesina cagando leches. No obstante, podéis fiaros de mí sin más y buscar esta película ya mismo, o bien seguir leyendo y permitirme que me introduzca poco a poco en vuestra cabeza para convenceros de la mucha razón que tengo.

Star Wars: The Clone Wars (2008)

Teniendo en cuenta la recapitulación que viene a continuación de estos párrafos, me parece importante abrir esta entrada diciendo que la serie de animación digital The Clone Wars le da mil vueltas a las precuelas. Solo he visto las tres primeras temporadas, pero cada una de ellas supera a la anterior y apuesto a que las siguientes serán aún mejores.

Aunque no todos los episodios son redondos y hay unos pocos mediocres, el equipo de Dave Filoni ha sabido recuperar el espíritu de la trilogía original mejor de lo que lo hizo su propio creador en 1999 con La amenaza fantasma. La serie consigue que conectes con los personajes, entiendas sus motivaciones y te involucres en lo que hacen. Actualmente es una de las pocas series que sigo… aunque sea a mi peculiar ritmo.

Dicho esto, lo cierto es que The Clone Wars tuvo un comienzo bastante flojo con la película del mismo título, estrenada en agosto de 2008. El filme pretendía generar expectación en torno a la nueva serie en la que Lucasfilm estaba trabajando y que comenzaría a emitirse en Cartoon Network en octubre de ese mismo año.

La crítica se cebó con la película, tanto por su animación, que algunos calificaron de prehistórica y acartonada, como por su argumento, demasiado infantil y simplón. Los fans tampoco se quedaron atrás, llegando a tacharla de la peor película de La guerra de las galaxias producida hasta la fecha. En general, no entiendo el porqué de las opiniones biliosas, y en este caso, parecían más que nada una reacción anticipada al hecho de que la película estuviera dirigida a los más jóvenes de la casa, como si esto de por sí fuera malo. Y con la reciente compra de LucasArts por Disney, vuelta a escuchar la misma cantinela.

Sin embargo, los ingresos de la película en taquilla fueron satisfactorios, lo que suponía que, a pesar de las duras críticas, la serie podía encontrar su audiencia. Cuatro años después y con la quinta temporada ya en antena, es un hecho constatado que lo hizo.

He-Man and the Masters of the Universe #2 - Desert Storm

Pese a haber llevado un ritmo de publicación bastante aceptable en lo que se refiere a las reseñas de los cómics de Masters del Universo (sin el "He-Man" delante), un calentamiento ideal para la que se me vendrá encima cuando emitan la siguiente temporada de Juego de Tronos, la verdad es que he dejado pasar más tiempo del que me hubiera gustado desde que comenté el número anterior de la serie principal: He-Man y los Masters del Universo. La culpa es solo mía, porque, por puro despiste, no me enteré de que había salido el segundo número hasta que salió el tercero. Y ahora ya hay incluso una nueva serie en marcha: Origins or Eternia. Matadme, por favor.

La última vez que vimos a Adam, le habían robado los recuerdos de su pasado como campeón de Eternia, no llevaba medias violetas y vivía como un simple leñador en un mundo tiranizado por Skeletor. Algunos sueños fugaces sobre ese pasado unidos a la visita a domicilio del halcón mágico Zoar le motivaron para abandonar su hogar en busca de respuestas y de una chica rubia con bikini dorado. Beast Man, mano derecha y escabel ocasional de Skeletor, intentó detener a Adam sin éxito, y el joven héroe prosiguió su viaje hacia un destino incierto, adentrándose con Zoar en un desierto inhóspito mientras Skeletor enviaba una orden a sus sicarios: capturar a su sobrino, vivo o muerto.

En cuanto al equipo artístico, Philip Tan continúa como dibujante, pero el guionista Keith Giffen ocupa ahora el puesto de James Robinson como escritor titular de la serie. DC reemplazó a Robinson en julio y puede que las malas críticas que recibió el primer número hayan tenido algo que ver. Si DC y Mattel se arriesgan a relanzar esta colección después de tanto tiempo, es comprensible que no les valga con recibir un "bueh" de los fans. O tal vez Robinson es en realidad un demonio kandariano y nadie quiere trabajar con él. Cualquiera sabe.

Mirándolo por el lado bueno, Robinson no era un gran conocedor de los Masters del Universo, mientras que Giffen es un fanboy declarado. Esto significa que el cambio podría ser a mejor. Podría, pero no lo es, porque en este número ocurren todavía menos cosas que en el anterior. Resumen: Trap Jaw captura a Adam; Teela le ayuda a escapar. Fin.

Ahora dedicaré otras mil palabras a contároslo con detalle.

La fuga de Deponia

¿Otra aventura gráfica alemana? Sí, y os voy a decir algo más: siguen pareciéndome las mejores. Desde que Sierra desapareció del mapa y LucasArts se centró en hacer juegos de La guerra de las galaxias (y ya ni siquiera buenos), el mercado americano de las aventuras gráficas ya no es lo que era, y las desarrolladoras españolas, con Pendulo Studios a la cabeza, tampoco son para tirar cohetes, a pesar de sus más que notables esfuerzos.

El caso es que The Book of Unwritten Tales me dejó no solo con unos 20 euros menos en la cuenta corriente, sino también con las mismas ganas de darle al coco que tenía a mediados de los noventa. Por eso, cuando me enteré, tarde como de costumbre, de que había salido otra aventura gráfica alemana, no dudé en comprármela aun sabiendo que había sido desarrollada por una compañía distinta. Los prejuicios y la xenofobia me han vuelto así de optimista.

La fuga de Deponia traslada al jugador a un planeta de ciencia ficción habitado por personajes cáusticos y un tanto alocados que sirve de desguace cósmico al resto del Universo: Deponia. En la ciudad-vertedero de Kuvaq, Rufus busca la forma de abandonar el planeta y alcanzar el paraíso flotante del Elíseo, que promete ofrecerle lo mejor de la vida sin dar un palo al agua. Al comienzo del juego, debemos ayudar a este  buscavidas egocéntrico en el más reciente de sus muchos intentos por escapar de Deponia, lo que dará lugar a un incidente inesperado que pondrá en sus manos el destino de todo planeta… y el futuro de una chica elísea.

¿Visteis cómo añadí puntos suspensivos para darle una nota de suspense? ¡Ya soy todo un experto!

El Puño de la Estrella del Norte (Hokuto no Ken)

El Puño de la Estrella del Norte es el manga más popular de Buronson y Tetsuo Hara y, aunque solo sea por la cantidad de años que tiene (los mismos que yo, para ser exactos), todo aficionado al género de artes marciales debería al menos conocerlo.

La colección abarca un total de 27 volúmenes divididos en 245 capítulos, que la revista Shonen Jump publicó entre 1983 y 1988. Dado su éxito, la serie pronto se adaptó a televisión, y tuvo varias películas y videojuegos, entre otros el que aquí se conoció como Last Battle y que es una mierda pinchada en un palo.

El título del cómic en japonés es Hokuto no Ken, que al español se traduce literalmente como "El Puño del Carro". En este caso, el cambio del título me parece no solo aceptable, sino apropiado, y no solo porque suene mejor, sino porque incluso tiene cierto sentido. El Carro es la constelación más brillante de la Osa Mayor y, como deberíais saber, apunta a Polaris, también conocida como la Estrella del Norte. Y esto deberías saberlo porque si algún día os escapáis de una nave-prisión y acabáis estrellándoos en un planeta habitado por un psicópata megalómano, y este psicópata o suelta en medio de un bosque para cazaros pero os da la oportunidad de salvaros si llegáis hasta un templo repleto de zombis y mutantes, como le ocurrió a las esclavas de aquella genial película de serie B, entonces podréis utilizar vuestro conocimientos de astronomía para localizar la Osa Mayor, orientaros y poneros a salvo.

Esperad... Si estáis en otro planeta, probablemente la Osa Mayor no os sirva de nada. Qué estupidez.

Masters of the Universe #5 - Evil-Lyn

Han pasado más de dos meses desde que se publicó el número de Masters del Universo dedicado a Evil-Lyn y aún no sé qué pensar de él. Supongo que, muy resumidamente, es el primero de los que han salido hasta la fecha que no me ha gustado. Pero esto tampoco significa que me haya parecido una birria. La historia es buena... a su manera. Simplemente no acaba de encajarme en el concepto de Masters del Universo que tengo en la cabeza. Y después de una relación de más de veinte años con la franquicia, sé de lo que hablo.

Solo con que echéis un vistazo a la portada del cómic, podréis comprender a qué me refiero. Cuando entré en ComiXology y vi esa portada en la sección de novedades junto al volumen 2 de The Boys, ni siquiera me di cuenta de que era el siguiente número de la colección hasta que reparé en el título, y aun así, seguí desconfiando de lo que veía hasta que leí el resumen: "Evil-Lyn hace justicia a su nombre en este relato negro que se desarrolla en las miserables calles de Eternia". La sinopsis también incluía signos de exclamación, pero es lo único que he obviado, a pesar de que Eternia ni siquiera es una ciudad, sino un planeta, y que el nombre correcto es Eternos. Siento tocar las pelotas con esta tontería, pero tampoco es mucho pedir no cagarla en un detalle tan básico; no es que haya que ser un experto en los Masters del Universo, ¡basta con leer la primera viñeta del cómic!

¿Por dónde iba? Ah, sí, lo poco que se parece esto a los Masters del Universo. El guión de Kyle Higgins, que escribió el número de Man-At-Arms, parece más apropiado para una novela gráfica de estilo noir, y el dibujo de Mike Henderson, de trazos simples y en blanco y negro, recuerda más al Sin City de Frank Miller y a Blade Runner que a ninguna otra cosa. ¿Gabardinas y bares de mala muerte en Eternia?, no termino de verlo. Pero quizá sea cuestión de tiempo. Juzgadlo por vosotros mismos.

Skyfall (2012)

Soy fan de tantas cosas que me es difícil escoger sobre cuáles debería escribir en el blog, pero hay al menos dos muy importantes a las que todavía no he dedicado ni un solo artículo: el historial de vida laboral que me envía cada año el Ministerio de Empleo y Seguridad Social, y James Bond, el héroe cinematográfico nacido de la pluma del escritor Ian Flemming y la visión del productor Albert R. Broccoli.

Aunque repasar mi historial laboral de 2011 sin duda daría pie a una interesante entrada, hoy hablaré del agente 007, y para que sepáis a qué clase de antecedentes os enfrentáis hoy, os diré que llevo más de cinco años usando un reloj Swatch de la colección 007 Villain y que por Navidad espero hacerme con el paquete completo de películas de James Bond en Blu-ray, pese a haberlas visto ya en DVD. Y ahora vayamos al grano.

Cuatro años después del estreno de la olvidable Quantum of Solace y tras haber superado serias dificultades financieras, el pasado 23 de octubre por fin se estrenó en las salas de cine británicas la vigésimo tercera película de James Bond: Skyfall, con la que Eon y Metro-Goldwyn-Mayer celebran el 50º aniversario de la saga.

La película, con más de 100 millones de dólares recaudados a fecha del jueves pasado, está funcionando a las mil maravillas en taquilla y, en general, la crítica la está poniendo por las nubes; Cinemanía y Fotogramas le dan cuatro estrellas, en Rotten Tomatoes tiene un 95% de aprobación, y un niño de seis o siete años que estaba en mi misma fila dijo que le había "molado mucho".

Yo empiezo a pensar que estoy viviendo en el Mundo Bizarro.

Siendo conciso, creo que el más reciente trabajo de Sam Mendes como realizador es una película del montón, incluso aburrida por momentos, que entretiene de chiripa gracias a algunas líneas de diálogo chisposas y unas pocas escenas memorables. No obstante, si lo que buscáis es una opinión más detallada, a continuación encontraréis una lista de lo bueno, lo feo y lo malo de Skyfall.

Como el filme acaba de estrenarse, voy a ser bueno y advertiros de que habrá spoilers a punta de pala. Además, he envenenado dos o tres líneas, pero no lo sabréis hasta haberlas leído, y entonces ya será demasiado tarde...

La cabaña en el bosque (2011)

Como aficionado al cine de terror, no podía cerrar este especial de Halloween sin hablar de la incursión conjunta de Joss Whedon y Drew Goddard en el género.

En los últimos meses, no son pocas las personas que me han preguntado si había visto The Cabin in the Woods. Y cuando digo que no son pocas, es que son muy pocas. Una, para ser exactos. Pero consiguió picar mi curiosidad diciéndome simple y llanamente que no podía contarme nada sin estropearme la película y que debía verla. También hizo un mohín de reserva con los labios. ¡Mi mayor debilidad!

Por lo tanto, aunque he prestado poco o ningún interés a todas las sagas de terror que han surgido en la última década (Destino final, Saw, Paranormal Activity…), sentía verdadera expectación por ver La cabaña en el bosque.

La película se estrenó en abril de 2011 en los Estados Unidos, y llegó a casi toda Europa ese mismo mes. Sin embargo, por razones que son fáciles de suponer, no se ha proyectado en las salas de cine españolas y aquí saldrá directamente en DVD. ¿Quién sabe?, quizá la distribuidora aún esté pensando en cuál es el peor título posible en castellano; me extrañaría que no se planteasen llamarla Desmadre en la cabaña en el bosque antes de optar por la traducción literal. El caso es que con tanto retraso han conseguido que comprase el DVD en Amazon en su versión inglesa.

Entrando ya a hablar de la película, no tenía ni pajolera idea de lo que iba a encontrarme hasta que la puse, porque no había visto ni un solo tráiler ni leído nada sobre ella. Incluso evité escuchar el programa número 183 de La hora de Ving Rhames, a pesar de que es el único podcast que ameniza mis idas y venidas del trabajo junto a Vuelo 180 (que, por cierto, tendrá que cubrir el hueco dejado por La hora a menos que la despedida de Víctor Olid y compañía este último sábado no fuera más que una sucia pantomima). A toro pasado, me alegro de que me comportara como un eremita paranoico, porque no me esperaba nada parecido y el filme me sorprendió desde la primera escena.

Esta crítica es todo lo reveladora que puede ser, así que salvo que no os importe que os destripe la película de arriba a abajo, deberíais parar de leer ya mismo. Si lo que necesitáis es que escriba spoilers en mayúscula y negrita, os adelanto que no pienso rebajarme a eso.

'Rancho Drácula', de Silver Kane

¿Habíais oído hablar de los bolsilibros? Muy resumidamente, eran las novelas pulp españolas. También se conocían como novelas populares o novelas de a duro, por su bajo precio. Los bolsilibros eran cortos, tocaban casi todos los géneros, y ofrecían una aproximación a la lectura en forma de entretenimiento desnudo de reflexiones. Eran, en otras palabras, la serie B del mundo literario, productos para consumo inmediato dirigidos al público adolescente. Literatura de usar y tirar. Sus autores trabajaban a un ritmo endiablado, sometidos a límites de formato y constreñidos por la censura franquista, y ganaban una miseria; solo buscaban terminar el siguiente libro cuanto antes para cobrar por él.

Entre otras editoriales, Bruguera empezó a publicar los bolsilibros en los años cuarenta con periodicidad semanal y la cosa le fue más o menos bien hasta mediados de los ochenta, cuando cerró sus puertas tras haberse declarado en suspensión de pagos y perdido al único dibujante que podía haberle sacado las castañas del fuego, esto es, Francisco Ibánez, creador de Mortadelo y Filemón.

Hasta aquí, un poco de historia. Pero no soy ningún experto en el tema. Es más, ni siquiera conocía los bolsilibros hasta hace un año más o menos.

La cosa cambió cuando me enteré de que mi abuelo era amigo de toda la vida de uno de los autores que más novelas publicó en este formato. El pseudónimo con el que firmaba sus obras es Curtis Garland; su nombre, Juan Gallardo Muñoz. Por curiosidad, estuve indagando sobre él, y me encontré con toda una larga serie de títulos que no podrían haberme llamado más la atención: Arizona Killer, Asteroide Lesbos-3, Dragón de Chinatown, Fantasmas en Alfa-Seis, Lobos humanos en el rancho, M-31 contra la Doctora Muerte...

Lo siguiente que supe es que tenía que hacerme con alguno de estos bolsilibros. Busqué en Internet y el primer título que encontré fue Rancho Drácula, de Francisco González Ledesma, más conocido en este mundillo como Silver Kane. Para empezar, hubiera preferido algo de Curtis Garland por aquello de cerrar el círculo, pero, solo viendo el título y la portada, sabía que Kane también merecería la pena.

Películas que me acojonaron cosa mala cuando era un crío

Salvo que seáis muy jovencitos, en cuyo caso deberíais estar pendientes de vuestro Tuenti o haciendo pintadas en la calle y no leyendo esto (hay que respetar los estereotipos), imagino que alguna vez habréis reflexionado acerca de aquellas películas de vuestra infancia que ahora solo os traen buenos recuerdos y que, sin embargo, cuando eráis unos mengajos, os las hacían pasar canutas. Os hablo de largas noches colmadas de pesadillas en las que cada sombra parecía un monstruo al acecho y cada ruido una amenaza invisible, cuando después de pedir el tercer vaso de agua, no veíais qué excusa poner para llamar a papá o a máma.

A pesar de que ahora mismo puedo ver V/H/S durante una noche tormentosa estando solo en casa y luego dormir como un bendito, en el pasado remoto, más o menos cuando los dinosaurios dominaban la Tierra, confieso haber estado lo bastante asustado después de ver una película como para no ir al baño a pesar de la presión de mi vejiga. Cada día rezo por que mi próstata no me lo tenga nunca en cuenta.

Hoy dedicaré este espacio a rememorar algunos de los largometrajes que perturbaron mis sueños con estampas terroríficas cuando era un chaval y que, no obstante, con el tiempo incluso llegaron a ocupar un puesto de honor en el concurrido panteón de mis películas favoritas.

Masters of the Universe #4 - Randor

Siguiendo la estela de los cómics protagonizados por Sir Laser-Lot, Man-At-Arms y Battle Cat, a mediados de agosto se publicó el cuarto número de la colección Masters del Universo, que se centra en uno de los personajes más olvidados de la franquicia: el rey Randor. Su mejor cualidad es que guarda un sorprendente parecido con la mascota de Burger King.

Firman este cómic Mike Costa, que ha escrito varios números de G.I. Joe y de Transformers y que se ocupó del capítulo de Battle Cat, y el dibujante Eric Nguyen, al que probablemente NO recordaréis de los cómics de Halo ni de ninguna otro tebeo; es más, si buscáis ese nombre en Google, encontraréis más información sobre un cazador de tormentas que lleva muerto desde 2007 que sobre él.

De la mano de Costa y Nguyen, volvemos una vez más al pasado, a un tiempo en el que el príncipe de Eternia era un guerrero curtido con un conato de barba magnificente y no un rubiales amanerado vestido con ropa de mujer, para escuchar una historia narrada por el rey Randor "sobre un monstruo y los hombres mejores que vinieron después de él".

Un comienzo ominoso, ¿verdad? Lo suficiente como para que publique esta entrada como parte del especial de Halloween, no lo dudéis.

El Triángulo de las Bermudas

Aquí donde me veis, resulta que soy un experto en extraterrestres y ocultismo. Que sí, que sí. Y vosotros sabríais tanto como yo si conocieséis a mis vecinos. Sin embargo, las amenazas de los Hombres de Negro y una serie de pactos con los sectarios de Cthulhu me han impedido hablar de estos temas durante todo estos años que he pasado escribiendo tonterías en Internet. Pero eso acaba hoy. Lo de hablar sobre lo paranormal, digo, no lo de las tonterías.

El Triángulo de las Bermudas, también llamado el Triángulo del Diablo y "Oye, pues a mí me parece un cuadrado", es un misterio que no es tal, pero que la cultura popular ha absorbido como una esponja, hasta el punto de que todo el mundo ha oído hablar de él.

La cuestión es: ¿Hay algo de verdad en  todas esas patochadas escritas por autores sensacionalistas? Descubrámoslo.

Zombies Ooze Pop

Si ya me es difícil encontrar snacks sobre los que merezca la pena decir algo el resto del año, ahora que solo quedan dos semanas para Halloween y el blog ha adoptado su terrorífica temática "tradicional", las opciones son todavía más reducidas.

Otra persona menos perezosa que yo quizá compraría una calabaza en el supermercado, la vaciaría con un cucharón, le tallaría una cara diabólica e introduciría una vela encendida en su interior; pero si yo hiciese eso, la calabaza acabaría olvidada en la terraza, junto a la lavadora, pudriéndose poco a poco hasta que el olor fuera tan tangible que pudiera extender sus zarcillos malolientes y abrir la puerta que comunica con el resto del piso; momento en el que por fin pensaría en tirarla a la basura. Si estamos en octubre, probablemente la calabaza no llegaría al contenedor de la comunidad hasta marzo del año siguiente.

Por suerte, había una alternativa, y aunque yo no he tenido tiempo para patearme tiendas de comida americana de importación porque he estado muy ocupado preparando el ritual para invocar a Asmodeo, mi hermano encontró un producto tan alucinante que hubiera escrito sobre él aunque Halloween no estuviera a la vuelta de la esquina. Se llama ZOMBIES OOZE POP, y os aseguro que el nombre no se merece menos que letras mayúsculas, color púrpura y negrita.

'En las montañas de la locura', de H.P. Lovecraft

Según Antonio Molina Foix, Howard Phillips Lovecraft, que tuvo la mala suerte de ser proclamado maestro de la novela de terror cuando ya estaba criando malvas, escribía para sí mismo, por su satisfacción personal, y no para complacer a sus lectores ni a las editoriales para las que trabajaba. En otras palabras, era un iluso con la visión comercial de un higo.

Pero por suerte para quien tuviera los derechos de publicación tras su muerte, el paso del tiempo lo ha convertido en un escritor de culto; expresión que viene a significar que lo que hizo en su día se consideraba basura, pero como hoy hay cuatro tipos a los que parece gustarle, tenemos que darle bombo hasta convencer al resto del mundo de que era un genio incomprendido.

En las montañas de la locura es el primer libro que he leído de H.P. Lovecraft y dudo que le siga un segundo, porque se supone que junto con La llamada de Cthulhu es una de las obras más representativas de su autor y, sin embargo, a mí me ha parecido una castaña. Sobresaliente como remedio para el insomnio y poco más.

Lovecraft escribió el libro en 1931, pero la editorial Weird Tales, con la que venía colaborando desde 1920, se negó a publicarlo porque, francamente, era un tostón, así que Lovecraft acabó vendiéndoselo años más tarde a Astounding Stories, otra revista pulp. Al final, la obra se publicó en tres entregas, entre febrero y abril de 1936, y Lovecraft cobró 315 dólares por su trabajo. Yo le hubiera pagado cinco y solo a cambio de que también me sacase la basura a la calle durante una semana..

No digo que el libro sea malo, solo que no es mi estilo. Os lo explicaré con tres estúpidos memes y algunos párrafos de más.

Chakan: The Forever Man (Mega Drive)

Aunque parezca mentira, aún guardo Hobby Consolas de los años 1992 y 1993, y en contra de cualquier previsión, están bien conservadas, porque en su día compré la carpeta clasificadora oficial de la revista. No sé si la recordaréis, pero era una carpeta de un color amarrillo chillón que te podía dejar ciego si la mirabas fijamente más de cinco minutos. Ahora está algo sucia y machacada, pero sigue cumpliendo su función. En cambio, mis Micromanías y SuperJuegos no corrieron tanta suerte.

De vez en cuando, voy a casa de mis padres (que hace las veces de depósito, despensa y restaurante) y echo una ojeada a estas revistas para rememorar aquellos días en los que disfrutaba simplemente revisando carátulas e imágenes de los últimos lanzamientos e imaginándome cómo sería jugarlos.

Ahora es raro de narices que alguien se compre un videojuego sin antes verlo en acción, pero antes nos vendían verdaderas basuras gracias a una buena carátula y un poco de publicidad.

Uno de los juegos analizados en esas Hobby Consolas y que publicitan en varios números es el oscurísimo Chakan: The Forever Man, una mezcla de plataformas y beat 'em up al estilo de Castlevania que salió para Mega Drive y Master System en el año de la Expo de Sevilla.

Solo de pensar que por aquellas fechas yo salía a la calle con gorra, gafas de sol y riñonera, empiezo a temblar.

Al filo del Infierno: Rock 'n' Roll Nightmare (1987)

Hay películas que te remueven el alma y cambian tu manera de pensar, que marcan un antes y un después en tu vida, y son capaces incluso de convertirte en una persona mejor.

De todas las maravillosas películas que han influido en mi manera de ver el mundo, ninguna ha sido capaz de hacerme reír y llorar y de enseñarme tanto sobre la vida como la que comentaré hoy.

Aunque no hay palabras que puedan describir la belleza de esta producción sin sonar de algún modo vacías, incluso mediocres, debo decir que después de verla por primera vez, pensé que fueran cuales fueran los retos a los que tuviera que enfrentarme en el futuro, sería capaz de superarlos.

O al menos eso es lo que me gustaría poder decir de esta basura de cinta. Pero no es el caso. Ni por asomo. Lo que sí puedo hacer es recomendar que nunca la veáis solos. Ni sobrios.

Rock 'n' Roll Nightmare, distribuida en España como Al filo del Infierno, sigue los pasos de un grupo de rock que se dirige a una casa de campo en Toronto para preparar su próximo álbum. Una vez allí, comen, beben, ensayan, fornican y son asesinados poco a poco por los esbirros de Satán.

Hecha esta introducción, preparaos para repasar conmigo lo más destacado de esta película.

'Cujo', de Stephen King

Dicen que hay novelas de Stephen King que son de lectura obligada, especialmente si te gusta este autor o eres aficionado al género de terror. Carrie, El misterio de Salem's Lot, El resplandor, Christine, It, Misery.... Lo que la mayoría no te dice es que algunos de esos supuestos clásicos no son tan buenos como le gustaría creer a sus seguidores. Para mí, Cujo es un buen ejemplo de ello.

En términos generales, puedo medir cuánto me gusta un libro en función del tiempo que tardo en leérmelo. Si me lleva un día y la razón de que me lo haya ventilado tan rápido no es que mi vuelo sale con retraso, esto suele significar que he disfrutado como un enano. Si me lleva más de un mes..., digamos que lo que hicieron los nazis en Berlín el 10 de mayo de 1933 estaría justificado.

Pues bien, así a bote pronto diré que he tardado casi tres meses en terminarme Cujo, y el único motivo por el que no me ha llevado más tiempo es porque me leí las últimas cincuenta páginas del tirón en el cuarto de baño mientras el café solo hacía su magia.

Por si os interesa, el problema no es que la novela esté mal escrita, que no lo está, o que sea muy densa, que no lo es, o que la trama se desenvuelva torpemente, que no es el caso. El problema es que el argumento solo me parece medio interesante para una película de serie B producida por una compañía de poca monta, como Sunn o TAFT... o algo que suene igualmente poco memorable. Sería una mezcla de Beethoven y La matanza de Texas. Os hacéis una idea, ¿no?

Si no, no pasa nada, porque la película ya existe y la dirigió el realizador de La joya del Nilo. Stephen King dice que es una de sus adaptaciones favoritas. Yo digo que no es peor que el libro.

Halloween 2012

¿Octubre otra vez? ¿Tan pronto? Sí, y con él llega el segundo especial de Halloween de El Tipo de la Brocha, que durará todo el mes y, como de costumbre, se centrará en artículos de temática terrorífica. Películas, libros, videojuegos, cómics, chucherías e incluso algún mito popular. La cosecha de este año será variada, prolija y esperemos que entretenida. ¿Os engañaría yo?

No contestéis a esa última pregunta, por favor.

Por otro lado, dudo que nada supere el pavor que os habrá provocado el actual diseño del blog. Lo más probable es que se os desprendan las retinas antes de llegar a noviembre.

Para empezar fuerte, el primer artículo lo publicaré mañana a medianoche, es decir, dentro de veinticuatro horas. No he reparado en gastos. Hasta entonces, quizá deberías aprovechar los comentarios para recomendar buenos oftalmólogos.

Double Dragon (NES)

No sé cuántas horas pude echarle al Double Dragon de la NES, pero seguro que fueron casi tantas como al Teenage Mutan Hero Turles 2, es decir, muchas. Jugando era un desastre con patas y jamás llegué más lejos de la parejita de Abobos de la tercera fase, pero aun así, me encantaba. Fue mi primer "yo contra el barrio", y aunque me diesen hasta en el carné de identidad, jugarlo era premio suficiente para mí. Sí, entre los ochenta y principios de los noventa, no tenías por qué ser capaz de pasarte un juego para disfrutarlo. De hecho, no recuerdo haberme terminado más juegos que los tres primeros Super Mario Bros. y el Chip 'n Dale. Ahora, en cambio, si me atasco diez minutos en un videojuego, me cago en Satanás.

El Double Dragon de NES salió en 1988, casualmente el mismo año que Los gemelos golpean dos veces de Ivan Reitman (¿solo yo veo la relación?),  y a salvo de la falta de un modo cooperativo para dos jugadores, era una versión más que decente del Arcade. Todo lo contrario de lo que parece la novia de Billy, como pronto veréis.

Otros pegas que suelen ponérsele al conversión de Technos para la 8 bits de Nintendo son que los enemigos sufren el síndrome de Homer Simpson, lo que significa que nunca se quedan groguis por mucho que los golpeemos, y que tenemos que aprender ataques a base de vapulear a nuestros rivales hasta la muerte en lugar de ser unos expertos en artes marciales desde el principio de la partida (cada corazoncito que ganamos poniendo ojos morados representa un nuevo ataque). Por lo demás, es un juegazo. Es más, es tan bueno que me he vuelto loco y he acabado escribiendo una guía completa.

Dragon Ball Z: Combat Cards de Panini

Diría que me sorprende que dos de las entradas más visitadas del blog sean mis recopilaciones de momentos memorables de Dragon Ball y Dragon Ball Z, pero la nariz me crecería de aquí a la Luna. Lo que me sorprende es abrir un depósito en el banco, que la persona que me atiende no sepa dónde está la arroba en el teclado y que esa persona sea el director de la oficina. Así va el país.

Retomando el tema, hoy dejaré a un lado el manga y el anime para hablar de otra vertiente de la franquicia: el merchandising; y concretamente de las Combats Cards de Panini, que fueron la segunda serie de trading cards de Dragon Ball que se editó en España tras el éxito de los cromos de Ediciones Este.

Aunque el salto de calidad entre una colección y otra salta a la vista, debemos tener claro que no era difícil superar el listón marcado por los cromos de Ediciones Este. Éstos no eran más que un aborto creativo al nivel de la restauración del Ecce Homo con el que esta empresa catalana pretendía aprovecharse del tirón comercial de Dragon Ball a costa de calcar incluso dibujos de Spider-Man. Por lo tanto, para Panini fue como competir contra una de esas falsificaciones chinas de las que tanto saben en Costreando! No había color.

En mi colegio, donde, como en tantos otros lugares, Dragon Ball causaba furor, esta colección de cartas fue bastante popular, así que me extraña que nadie le haya dedicado todavía un artículo en Internet. No es que pueda afirmar esto último con una convicción a prueba de balas, pero si algo así no aparece en la primera página de resultados de Google, para mí no existe.

Masters of the Universe #3 - Battle Cat

Llega un lunes más y con él otro repaso de las nuevas historietas de los Masters del Universo. ¡Edición digital! ¡0,99$ el número! ¡Corred a vuestra tienda on-line más cercana antes de que se agoten!

En esta ocasión, el escritor Mike Costa, más que contarnos una historia a través de los ojos de un personaje como en los dos números anteriores, se centra en definir su naturaleza, presentándolo a una nueva generación de lectores a través de una secuencia de acción que juega como telón de fondo y da pie a un interesante flashback sobre su origen. La estrella de la función es el compañero más fiel de He-Man: Battle Cat, o, como algunos también lo conocimos, Tigre de Combate. Es verde, grande y tiene muy malas pulgas. Como la Masa, pero a cuatro patas y con más pelo.

El dibujo de Jheremy Raapack puede dar pie a pocas pegas y la composición de las viñetas espectacular. A ello hay que añadir que los colores son vivos y no temen ser llamativos incluso en aquellos momentos que no deberían serlo, lo que le da ese tono impactante y espectacular de los viejos cómics de superhéroes.

Todo ello y algún detalle más hacen de este número mi favorito hasta la fecha.

Patatas fritas San Nicasio

¿A quién no le gustan las patatas fritas? A nadie que yo conozca. Todo el mundo disfruta comiendo patatuelas, ya sea en una terracita acompañadas de unos boquerones y una caña bien fresquita, o en el salón de casa con la tele encendida y una mano metida en el pantalón.

Es más, si conocéis a alguien al que no le gusten, mucho cuidado con él, porque probablemente forme parte de una avanzadilla belatriciana enviada desde Gamma Orionis para explorar nuestro planeta antes de iniciar su colonización. (La parte de la exploración es muy importante, porque luego te sucede lo mismo que a los extraterrestres de la película Señales y, de la noche a la mañana, tu especie alienígena temida en todo el universo se convierte en el hazmerreír de un planeta de segunda regional por no haberte documentado debidamente.)

Patatas fritas, decía. Aunque mi búsqueda del snack perfecto terminó el día en que Matutano sacó la Pandilla Drakis, este hallazgo no disminuyó en lo más mínimo mi interés por este campo tan variopinto de la gastronomía, que me ha llevado a probar desde rarezas como las Lay's con sabor a cheeseburger y gambas al ajillo, hasta patatas de corte más artesanal como las elaboradas por la compañía cordobesa San Nicasio, que serán el objeto de nuestra entrada de hoy.

Antes de entrar al fondo del asunto, me gustaría dejaros con unas palabras de nuestro patrocinador. Pero no tenemos patrocinador. Ni siquiera sé por qué hablo de un nosotros. Enviadme dinero.

Star Trek: El cerebro de Spock

El sábado pasado fue el 46º aniversario de Star Trek, la serie original. De no ser por el correspondiente Doodle de Google, no me hubiera enterado, porque: a) no sé en qué día vivo; y b) no tengo buena memoria para cumpleaños, efemérides ni fechas que no sean la de la fiesta más cercana. Pero, como fan que soy de Star Trek, me habría sabido mal no hacerle un pequeño homenaje a esta magnífica serie, aunque sea con algunos días de retraso. Por eso, para disfrute de niños y mayores, he decidido recapitular otro episodio de la serie, el tercero que se suma ya al archivo del blog (si tenéis tiempo, os recomiendo leer al menos mi recapitulación de La arena).

Y, creedme, el episodio que he escogido para esta ocasión no es un episodio cualquiera. Si todos los trekkies votasen para decidir cuáles son los peores episodios de la serie original, el capítulo de hoy alcanzaría uno de los tres primeros puestos sin despeinarse. Incluso poniéndolo en contexto y juzgándolo bajo los estándares de su época, podemos considerarlo ridículo, machista y una verdadera colonoscopia para el sentido común. Pero ¿sabéis que es lo más triste de todo? Que fue la premiere de la tercera temporada. No me sorprende que cancelaran la serie.

Aun así, visto con perspectiva, es la monda.

Fecha de emisión: 20 de septiembre de 1968.

Little Tokyo: Ataque Frontal (1991)

Little Tokyo: Ataque frontal es lo menos que podíamos esperar del director de Commando: una cinta de acción típica de los noventa, con peleas y desnudos a cascoporro y nada de relleno, solo artes marciales, tiroteos y frases ingeniosas; el tipo de producto que uno ve y disfruta procurando no hacerse muchas preguntas, sobre todo preguntas acerca de cuán gays eran las pelis de acción de los años ochenta y noventa.

También es una cinta indispensable para los fans de Dolph Lundgren y Brandon Lee, que aquí interpretan a dos policías de Los Ángeles enfrentados a la yakuza. Y el lobo feroz no es otro que Cary-Hiroyuki Tagawa, al que en mi casa siempre recordaremos por su papel de Shang Tsung en Mortal Kombat y por haber participado en un lamentable episodio de Sabrina, la bruja adolescente. ¡Vuestras almas son mías!

Oh, ¿y he mencionado ya que Tia Carrere, la cazatesoros que se enfrenta a Schwarzenegger en Mentiras arriesgadas, sale en bolas? En realidad, es una doble de cuerpo, pero jamás me oiréis protestar por ese motivo. Un buen culo es un buen culo, pertenezca a quien pertenezca.

Con actores de semejante calibre y Mark L. Lester sentado en la silla del director, solo nos queda esperar hora y cuarto de grandiosidad y épica en formato de serie B.

Mundodisco: El Atlético Invisible

Hay dos tipos de novelas de Mundodisco: las que parodian los mundos de fantasía creados por Tolkien, Rober E. Howard y sus múltiples imitadores, y las que satirizan nuestro propio y tragicómico mundo. El Atlético Invisible, la 37ª novela de Mundodisco, pertenece a este segundo grupo.

El libro se publicó en el Reino Unido en 2009 con el título Unseen Academicals, y Plaza & Janés sacó la edición en castellano en julio de este mismo año. A pesar de la notable diferencia de tiempo, casi es insignificante en comparación con lo que algunos seguidores de la saga sufrieron cuando los derechos de publicación pertenecían a Martínez Roca.

Además, todo aquel que, teniendo una buena base de inglés, prefiera leerse estos libros en español y perderse algunos de los maravillosos juegos de palabras de Terry Pratchett es tonto de remate y no tiene razón alguna para quejarse. Como yo. Y por eso no me quejo. Bueno, por eso y porque mi problema es justo el contrario: no termino de acostumbrarme a leer más de un libro de Pratchett al año. Realmente la fórmula no varía mucho de unos libros a otros y hay un punto en el que es uno acaba saturado. Os lo comento porque hace solo unos meses que me leí Dinero a mansalva, y esto puede haber influido en mi opinión sobre esta nueva novela. Creedme, no es tan malo como suena. Solo quería advertíroslo, para que lo tengáis en cuenta si os importa mi valoración. Y si no os importa, no me explico qué hacéis leyendo esto. ¿Ya habéis visto todos los vídeos graciosos de gatos que hay en Internet o qué?

Empecemos por la sinopsis.

The Book of Unwritten Tales

No sé si el hecho de que Alemania sea el país que más aventuras gráficas de point and click sigue produciendo (dato contrastado con ninguna fuente en absoluto) tiene que ver con su condicionamiento hegeliano, o simplemente con que son unos rancios y unos nostálgicos recalcitrantes, algo difícil de creer en un país en el que el ciudadano medio bebe 110 litros de cerveza al año y que invierte tantos millones de euros en investigación y desarrollo; pero lo cierto es que los alemanes se niegan a dejar morir el género, y sus seguidores lo agradecemos. Das ist gut, ya.

En 2009, la compañía KING Art lanzó al mercado The Book of Unwritten Tales, una aventura gráfica que traslada al jugador a un mundo de fantasía medieval de corte cómico, en la línea de Simon the Sorcerer y Mundodisco, pero sin llegar a ser un pastiche, ya que tiene su propio sello de identidad.

Aparte de que probablemente sea la mejor aventura gráfica tradicional que ha salido en la última década, hay muchos otros factores que juegan a su favor. Podría resumirlos en dos líneas, pero prefiero haceros leer otras 2.000 palabras y desafiar a las estadísticas que dicen que la gente prefiere los videblogs.

Dídac Arcos: Abrazando la oscuridad

El fin de semana pasado me leí una novela de la que probablemente sea la primera vez que oís hablar. El título lo tenéis arriba con letras bien grandes, pero como no quiero alterar el curso descendente de vuestra mirada, os lo repito a continuación: Dídac Arcos: Abrazando la oscuridad. Su autor, J. M. de Vega, no es ningún escritor famoso. Yo ni siquiera sé qué significan las siglas J. M., aunque voy a pensar que responden a Jaegar Maximilian, porque es un nombre con clase que sin duda ayudará a impulsar las ventas internacionales.

Según tengo entendido, esta novela es la primera parte de una saga que aún está por escribir. De hecho, como acaba con un cliffhanger, espero que el autor continúe la historia o le desearé que su próxima noche de Dom Perignon, velas y "qué bien hice en cambiar las sábanas esta mañana" se convierta en una noche de vino Don Simón, combustión espontánea y "¿cómo me deshago yo de este cadáver?".

Por cierto, ¿es cosa mía o estas introducciones son cada vez más estúpidas?

Masters of the Universe #2 - Man-At-Arms

Sé que nos suena divertido, pero hagamos un recuento. Ahora mismo hay en marcha tres colecciones de cómics de los Masters del Universo: los minicómics de Mattel y Dark Horse Comics, que acompañan a algunas de las figuras de Masters of the Universe Classics; la nueva serie de DC Comics He-Man and the Masters of the Universe, de la que ya comenté el primer número aquí; y los capítulos individuales de Masters of the Universe, a la venta exclusivamente en formato digital.

Lo sé, os importa un carajo; pero si seguís estas historias a través del blog, los saltos de una colección a otra pueden liaros bastante. Si sois idiotas, quiero decir, porque los minicómics ni los he tocado. Es sencillo: una colección lleva "He-Man" delante y la otra no.

La historieta que comentaremos hoy se corresponde con el segundo número de la edición digital, que en este caso no lo protagoniza un mindundi como Sir Laser-Lot, sino un viejo conocido y favorito de los fans: Man-At-Arms, una de las pocas personas que comparten el secreto de He-Man para cocinar frijoles sin que queden duros.

El argumento es muy simplón, y el guión de Kyle Higgins, con gran parte de acción y una pequeña parte de mitología, me trae por su simplicidad recuerdos de los viejos tebeos de la revista británica Adventure, que en España publicó Ediciones Zinco. Por otro lado, los dibujos de Pop Mhan, aunque inconsistentes en su calidad a lo largo del número, suponen una evidente mejora respecto del trabajo que hizo Howard Porter en El caballero perdido.

Los mercenarios 2 (2012)

El miércoles pasado asistí a la premiere en España de Los mercenarios 2 (The Expendables 2 en el original, y ojalá no lo hubiesen "traducido").

Aurum, distribuidora de la película en España, lo montó bastante bien en los cines Callao, con carteles, alfombra roja y demás parafernalia. Pero lo que no se puede evitar, ni se quiere evitar supongo, es la aglomeración de gente que había; una cosa horrorosa y agobiante, y todo por ver a unos tipos que van al escusado igual que todos nosotros, aunque quizá con menos frecuencia, porque ya se sabe que la gente mayor suele sufrir estreñimiento crónico. ¿Por qué admiramos a las estrellas de Hollywood? ¿Qué las hace tan especiales? ¿De verdad necesita la sociedad ídolos de barro? ¿Me quedaría bien un parche en el ojo? Estas eran las preguntas que me hacía mientras esperaba en la larga cola a que abriesen las puertas del cine, achicharrándome bajo un sol de 15.000.000 de grados.

Cuando por fin llegaron Lundgren, Statham y Van Damme, yo ya estaba sentado cómodamente en mi butaca, disfrutando del aire acondicionado de la sala. Había una cámara fuera, así que podíamos ver en la gran pantalla cómo llegaban las estrellas y el vergonzoso acoso de los fans, siempre a la caza y captura de un autógrafo o de una foto que subir a su Facebook. La paciencia de los actores para soportar con buena cara tanto agarrón y tanto grito me parece admirable. Supongo que dormir sobre una pila de dinero hace el trago más fácil.

Pop erótico español: Susana Estrada

No, yo tampoco estoy seguro de qué hago escribiendo esto. Los hay que beben alcohol o experimentan con drogas duras para vivir estados alterados de conciencia. Yo, en cambio, veo culebrones animados japoneses, monto la Estrella de la Muerte de Lego sin usar el manual de instrucciones y, si busco experiencias realmente fuertes, escucho pop erótico español de principios de la decáda de 1980. Y os advierto que no hay clubes anónimos para superar estos hábitos.

Hasta que empezasteis a leer esta entrada, probablemente la mayoría de vosotros ni siquiera sabía que existía un subgénero musical denominado pop erótico. Sí, todos sabéis que algunas cantantes visten como mujeres de afecto negociable, pero en cuanto os hablo de pop erótico, os encogéis de hombros. Y por eso precisamente estoy convencido de que las canciones de Susana Estrada os abrirán nuevos horizontes. Como Godoy se los abrió a los españoles cuando tomó la brillante decisión de dejar pasar al ejército francés para que conquistase solo Portugal.

Por si os interesa, la verdadera y única razón por la que escribo ahora sobre este tema es que ayer mismo terminé de escuchar el podcast de Viruete.com sobre el disco del Equipo A. ¿Qué relación guarda el disco del Equipo A con la casete de Susana Estrada? Bueno, aparte de que el compositor/arreglista Félix Lapardi trabajó en ambos grandes proyectos, resulta que la canción que escogió Viruete para cerrar su podcast es la que da título a la fabulosa casete de gasolinera que acompaña estas líneas y a una de las canciones más emblemáticas de Susana Estrada: Machos. Y como toda historia con casetes de gasolinera, a partir de aquí solo puede empeorar.

Prometheus (2012)

El viernes pasado hice dos cosas que no quería hacer: trabajar estando de vacaciones y ver Prometheus. Solo una de las dos tiene un pase, pero se salva por un pelo.

Cuando vi el primer tráiler de Prometheus, me entusiasmó por su espectacularidad visual. Las imágenes y vídeos que se fueron publicando hasta su estreno eran prometedores.

Sin embargo, dejé de querer verla en cuanto empecé a leer las primeras críticas, allá por el mes de junio. La mayoría de ellas ponía el filme a caer de un burro, e incluso aquellos críticos de cuyas opiniones suelo fiarme, porque no se dedican simplemente a despotricar y decir chorradas del estilo de "George Lucas ha violado mi infancia", parecían incapaces de inclinar la balanza a favor de las virtudes; los defectos pesaban demasiado.

La misma semana del estreno, ojeé las revistas Fotogramas y Cinemanía en busca de una crítica autóctona y, por decirlo de algún modo, más experta. Ninguno de los redactores decía que la película fuera una obra maestra, pero le daban cuatro y tres estrellas y media sobre cinco, que es mucho más que, por ejemplo, el boñigo maloliente de Cinecutre. Luego caí en la cuenta de que estas revistas quieren que directores y actores los reciban con los brazos abiertos cuando les llaman para hacer una entrevista, o al menos que no les den un portazo en la cara, así que muy rara vez arremeten contra los grandes estrenos.

Pero, en fin, llegó el viernes por la tarde y, después de entrar en un McDonald's y pedir un Menú Whopper®, tampoco tenía gran cosa que hacer para pasar el rato, así que cuando me ofrecieron apuntarme a una sesión de cine gratis, dije que sí.

En adelante, spoilers a tutiplén.

Escenas portentosas: 2013: Rescate en L.A.

¿Os acordáis de esa sección del blog en la que comento momentos de película que son una auténtica fantasmada? ¿No? Normal, porque solo he escrito un artículo al respecto, algo que tenía que ver con Tomb Raider y un tiburón. Y vosotros que decíais que tenía la sección de compras abandonada...

Sin embargo, la falta de actualización de esta sección no se debe a que no la tenga presente cuando estoy viendo una película, ni porque me dé pereza continuar con algo que a lo máximo que aspira es a tener una periodicidad anual. O, al menos, no se debe solamente a eso, aunque sean dos buenas razones. La causa principal es que para incluir una escena en esta sección tengo que estar viendo una película y que la idea me asalte la cabeza; tengo que quedarme alelado unos instantes, inmerso en la asombrosa ridiculez de lo que estoy contemplando y decirme a mí mismo "¡Esta es la mierda que buscaba!". Además, el momento me tiene que pillar por sorpresa. Me niego a ir buscando escenas portentosas como un sabueso entre mis DVD.

Esto nos conduce al miércoles pasado, cuando pasaron por televisión 2013: Rescate en L.A., de John Carpenter, secuela de su famosa 1997: Rescate en Nueva York, rodada con mucho más presupuesto y, sin embargo, un fracaso en taquilla. La crítica no se portó bien con ella, y a día de hoy, mucha gente sigue poniéndola a parir por ser un refrito de Rescate en Nueva York y considerarla una tomadura de pelo. A mí, que soy un tipo raro, me gustó más que la primera parte. No es que sea mejor película ni mucho menos (no lo puede ser sin Lee Van Cleef), pero escenas tan absurdas como la que comentaré a continuación la hacen más divertida.

He-Man and the Masters of the Universe #1 - The Seeker

Número uno de seis de la nueva serie de cómics de los Masters del Universo. Dada mi manifiesta afición por la franquicia (y digo "manifiesta" porque decir enfermiza supondría reconocer un problema que, desde luego, NO tengo), ya podéis imaginaros que no dudé ni un instante en comprármelo el mismo día de su publicación, el pasado 4 de julio. Vosotros también podéis encontrarlo en edición digital en ComiXology por 2,99$. ¡Compradlo ahora y ya no tendréis que comprarlo más tarde!

Tratándose de cómics, no soy partidario del formato digital, porque me encanta acumular basura en los cajones y estanterías; pero parece difícil que estos cómics lleguen a España, y si lo hacen, será dentro de mucho tiempo, así que no me arrepiento en absoluto de haber pagado por él. Por supuesto, también podría habérmelo bajado gratis de algún foro de Internet simplemente para saciar mi curiosidad y luego comprármelo en formato papel si tengo ocasión; pero eso no estaría bien. Sé que He-Man nunca lo haría.

Además, esta serie necesita todo nuestro apoyo para salir adelante. Y por apoyo quiero decir dinero. Cuantos más números compremos, más querrá publicar la editorial. Es la ley de la oferta y la demanda aplicada a tebeos de tíos cachas en taparrabos y calaveras parlantes.

Mundodisco: Dinero a mansalva

Para cambiar un poco de tercio después de un mes plagado de entradas sobre superhéroes, hoy os traigo una breve reseña sobre la segunda novela de la serie de Mundodisco protagonizada por Húmedo von Mustachen, el estafador con más carisma del peculiar universo literario creado por Terry Pratchett.

En Cartas en el asunto, y a "petición" de Lord Vetinari (las comillas son esenciales tratándose del patricio), Húmedo dio un giro a su vida de embaucador al ocupar el puesto de director de la Oficina de Correos de Ankh-Morpork, modernizando una institución centenaria cuyo funcionamiento dejaba mucho que desear.

Sin embargo, desde que una intervención divina con muy poco de deus ex machina le sacó del apuro en el que estaba metido en la novela anterior, Húmedo se aburre enormemente. La Oficina de Correos ya no funciona como una administración pública, sino que las cartas se entregan a tiempo. Su trabajo se ha vuelto monótono, y el grave caso de culoinquituditis que padece le lleva a realizar expediciones nocturnas muy poco apropiadas para un cargo de su importancia, sobre todo cuando su prometida Adora Belle está fuera de la ciudad.

Por lo tanto, y aunque no le gusta que jueguen con él como si fuera una ficha más en el tablero de la ciudad, Húmedo es incapaz de rechazar la nueva oferta de Vetinari, que ahora le necesita para reorganizar otra institución ruinosa y anclada en las viejas costumbres: la Real Casa de la Moneda de Ankh-Morpork, donde acuñar un penique cuesta más de un penique.

Y, naturalmente, poner a un timador al cargo de un banco es una gran idea; en España es prácticamente una tradición.

Masters of the Universe #1 - The Lost Knight

¿Quién me iba a decir a mí que a mediados de 2012 y rondando la treintena estaría leyendo nuevas historias de He-Man y compañía? Nadie, porque nadie habla jamás de estos temas, y sinceramente, a estas alturas, pensaba que ya tendría mi propia isla tropical y que estaría disfrutando de un partido de voleibol femenino desde una tumbona en la playa mientras una muchacha en bikini me abanica con una hoja de palmera, y no a casi 400 kilómetros de la playa más cercana, con el aire acondicionado a tope y escribiendo sobre un cómic basado en una línea de juguetes que solo fue popular en los años ochenta.

El guionista Geoff Johns, que no ha escrito nada que yo haya leído, y el dibujante Howard Porter, del que tengo algunos números de Los 4 Fantásticos que son una birria, se unen bajo el sello de DC Comics para presentarnos una aventura completamente nueva de los Masters del Universo y que, junto a otros dos números protagonizados por Man-At-Arms y Battle Cat, enlaza con la nueva colección que DC ha empezado a publicar este mes.

¿Es este número mejor que aquellos viejos cómics que Ediciones Zinco publicó en España a mediados de los ochenta? ¿Supera en acción y emoción, por ejemplo, a aquel número en el que Skeletor encoge a He-Man y éste es atacado por una hormiga relativamente más grande que él?

Encontraréis las respuestas tras la recapitulación de rigor, si es que para entonces me acuerdo de las preguntas.

El Caballero Oscuro: La leyenda renace (2012)

Advertencia: No lea esta entrada si es alérgico al cinismo, al humor absurdo, a los spoilers, o a cualquiera de los demás componentes habituales de este blog.

El viernes pasado se estrenó el último tercio de la trilogía quiróptera de Christopher Nolan, el punto y final a la historia de Bruce Wayne como el Cruzado Enmascarado. Por supuesto, como seguidor incondicional del cine de capas y mallas que soy, acudí con presteza a la sala de cine más cercana. Con presteza y solo. Solo por primera vez en veintiocho años. Todo el mundo pareció ponerse de acuerdo para fallarme, amigos, compañeros y familiares, por lo que ahora no me queda más remedio que urdir horribles planes de venganza para cada uno de ellos, ¡y justo ahora que empiezan mis vacaciones!

A pesar de todo, salí satisfecho del cine, no tanto como cuando salgo del baño pesando dos kilos menos después de pasar tres días estreñido, pero más que cuando consigo abrir una lata de guisantes sin quedarme con la arandela en la mano.

No haciendo Nolan la clase de películas que me apetece ver más de un par de veces (una en el cine con palomitas y refresco, y otra en casa sin preocuparme de que una inoportuna cistitis me obligue a perderme cinco minutos de metraje), disfruto sus filmes enormemente en el momento de su estreno.

#BF de Pepetravel

Pepetravel.com, la agencia de viajes on-line, ha recomendado El Tipo de la Brocha en el #BF de la semana.

Si os estáis preguntando por qué un sitio web de viajes recomienda un blog como este, solo tenéis qué leer algunas de las respuestas que les di cuando contactaron conmigo. Y es que, como los Beatles bajo la guía del Maharishi Mahesh Yogi, yo también me hago mis viajes, solo que con más imaginación y menos sustancias psicotrópicas.

Ego +3 para el que suscribe.

Batman, la película (1966)

Muchísimo antes de que Chris Nolan elevase las películas de superhéroes a un nuevo nivel con El Caballero Oscuro, mucho antes incluso de que Tim Burton demostrase que Michael Keaton podía ser un excelente Hombre Murciélago, estuvo Batman, la popular serie televisiva de los años sesenta, con Adam West en el papel del Cruzado Enmascarado y Burt Ward como Robin, el Pequeño Prodigio.

Tildada innumerables veces de cutre y criticada por los aficionados porque su tono colorido y alegre se alejaba supuestamente del carácter oscuro y taciturno del personaje creado por Bob Kane (y digo supuestamente, porque a mediados de los cincuenta, el Batman de los tebeos ya se acercaba bastante al que sería su homónimo televisivo), la serie producida por William Dozier cosechó, no obstante, un gran éxito entre el público y liberó a Batman de la oscuridad de las publicaciones pulp, poniéndolo en boca de todo el mundo.

Hoy, para rendir tributo a esta serie, repasaremos su adaptación a la gran pantalla, que se rodó después de la primera temporada de la serie para promocionar ésta en el extranjero. Además de ser la primera incursión cinematográfica de Batman, también es su película más estrafalaria hasta la fecha (sí, incluso por encima de Scooby-Doo y Batman forman equipo). Agarraos fuerte.

Lita Ford: Living Like A Runaway

Los habituales del blog ya sabéis que no suelo hablar de música. ¿El motivo? Me es más fácil escribir 1.000 palabras sobre un pastelito de chocolate que redactar un solo párrafo sobre canciones y grupos que inspiraron a toda una generación. Y encima, para lo poco que escribo del tema, resulta que ya había mencionado a Lita Ford en uno de los cinco artículos sobre música que había en el blog, o sea que además de ser un pésimo crítico musical, soy más monotemático que las tramas de Dragon Ball Z.

El caso es que desde que escribí aquel top 5 de dúos musicales, he escuchado todos los álbumes en solitario de la señorita Ford y también la antología de su primera banda, The Runaways, que tuvo más éxito en Japón que en ningún otro país y que muchos no conocerían de no ser por aquella película que protagonizaron una putísima Dakota Fanning y la tía sosa de Crepúsculo en 2010. Por lo tanto, podría decirse que me he empapado de su carrera musical lo suficiente como para hablar de su nuevo disco con conocimiento de causa. No es que vayáis a notarlo, pero yo me siento un poco más culto, como cuando me aprendí los ingredientes del ColaCao.

The Amazing Spider-Man (2012)

Como Spider-Man dijo una vez: "¡Tu sico-rayo no servirá de nada si no me alcanza!"; una frase en apariencia trivial, pero que esconde una sutil metáfora sobre el escándalo de Watergate.

Vale, he mentido. No es una metáfora de nada y tampoco viene al caso. Solo quería romper el hielo.

Para los que busquen una crítica rápida, seré conciso y claro: os habéis equivocado de blog. Al resto, empezaré por decirle que la película me ha gustado. Luego os diré cuánto.

A priori, y como comparar es fácil, puedo adelantaros que aunque la bisoñez de Marc Webb como director hace que su impronta personal sea difusa, The Amazing Spider-Man se alza con voz propia y supera a la trilogía de Sam Raimi en muchos aspectos. Cosa fácil desde el punto de vista de cualquiera que, como yo, tuviese tirria a Tobey Maguire y a Kirsten Dunst. Y supongo que no hace falta que diga que la película es infinitamente mejor que el telefilme de 1977 del que hablamos la semana pasada, porque incluso los vídeos domésticos que grababa mi padre sin quitar la tapa del objetivo son más entretenidos que eso.

Leather Goddesses of Phobos! 2

"¡Intergaláctica! ¡Interactiva! ¡Una aventura gráfica apasionante!". Con semejante reclamo, a la vista del título y de la carátula, y sabiendo que es este videojuego es un spoof de las películas de ciencia-ficción de serie de B de los años cincuenta, me era imposible resistir la tentación de probarlo. Sería como ponerle a Charlie Sheen una raya de cocaína sobre la mesa y decirle: "Se mira, pero no se esnifa". Y que conste que empiezo con un chiste fácil de Charlie Sheen, para ver si se gastan pronto; que ya está bien, hombre.

Diosas de Cuero de Phobos 2: Las tres empleadas de la gasolinera encuentran al tentáculo palpitante del Planeta X (del original, Leather Goddesses of Phobos! 2: Gas Pump Girls Meet the Pulsating Inconvenience from Planet X!... aire, por favor) es la continuación de una popular aventura conversacional de 1986 en la que el jugador debía evitar que unas amazonas del espacio exterior sometiesen sexualmente a toda la Tierra. No, no sois los únicos; yo también hubiera ondeado la bandera blanca.

La secuela de la que os hablaré hoy salió varios años más tarde, en 1992, por lo que aparte de ese elemento tan novedoso conocido como grá-fi-cos, también tenía música, sonido e incluso voces en castellano. Voces pésimamente interpretadas y todavía peor digitalizadas, pero voces al fin y al cabo; todo un dechado de virtudes para la época.

El punto en común de Leather Goddesses of Phobos y su secuela, y la única razón por la que se vendieron más de dos copias, es su carácter subido de tono. El contenido no llega a ser ni mucho menos pornográfico, pero sí lo suficientemente sugerente como para provocar el efecto conocido como "portada del Barbarian de Atari".